日本平面设计的发展和特色

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日本平面设计的发展和特色

(一)形成背景

纵观全世界,作为东方国家的日本,其设计是独树一帜的,其中很多理念和经验值得学习。在历史上,日本有着极具特色的平面设计传统,其书籍插图、浮世绘、木刻等在世界上都有着相当大的影响力。今天,日本作为世界上的设计大国,其设计方面的思想意识和形式风格在世界设计大家族中占有着重要的地位。对于日本设计,不仅需要知其然,更要知其所以然文化地理方面,日本国土的大部分为森林所覆盖,森林在日本人的意识中有着不可替代的位置。2005年日本爱知县世界博览会申请的主题便是“自然的睿智”。这一思想生发于日本自古以来的自然观“人类也是自然的一部分”,原计划是将博览会建在森林中,尽管最后没能实现,但“森林”的意识已向全世界传达出了日本的态度。同时漫长的海岸线,造就了日本人海洋民族的探索和创新精神。由于海洋之国生存的危机,还演化出对花朵等瞬间美好事物的留恋,如国花樱花便是短暂而绚烂的代表。日本文化既有自然的森林文化的优雅,又有海洋的扩张文化的暴力,从而构成了其双重性格。另外,日本还具有悠久的农耕文明,农耕生产的生活方式激发了古代日本人对季节时令变化的敏感,也促成他们追求自然天成的美学思想。宗教方面,同一直在向先进的文明学习一样,日本也有着比较包容的宗教心态。其神道教崇拜自然,亦信奉佛教禅宗,崇尚本色、干净、整洁。日本的很多平面设计材料采用竹、草、木、麻、纸之类,追求简朴、自然原状,和以上两种宗教的影响是分不开的。社会方面,17世纪到19世纪,以商人为代表的世俗文化不以禅宗的清苦来要求自己而是更为注重对世俗文化的追求,并由此而兴起“浮士绘”版画、歌舞伎、各种世俗小说及色情文化。此传统演变到现代设计当中,形成奢华的、注重修饰、色彩绚烂的风格。这也是日本平面设计的一个重要的影响因素。

(二)风格发展

日本的现代设计起步于20世纪50年代,二战后,被称为日本“经营之神”的松下公司创始人松下幸之助在结束了对欧美市场的考察后回到日本的第一句话就是“设计的时代将要来临”。20世纪50年代,日本频频邀请欧美著名的设计师传授设计知识,包括邀请世界上最著名的美国设计师罗维来举办讲座,举办欧美设计作品展览,派遣学生到欧美学习或通过旅行搜集欧美的设计经验。虽然在现代主义的影响下,不少设计师也在照搬欧美的设计,“但这些在具有浓郁日本文化的土地上发育不良”,因此设计师们返回头来重新审视现代与传统的结合问题,并在此基础上发展出一片新的天地。如在构成方面,日本对欧洲的构成主义并非全盘引进,他们重点吸收了其中的现代功能主义和严格分析的理论,并结合日本文化进行了调整,形成了注重日本传统审美倾向和简明传统造型的日本特色的构成主义。

日本的设计非常注重保护和保存民族化的内容。1926年,日本著名的民艺理论家、美学家柳宗悦(188191)等人倡导了影响深远的“民艺运动”。他们大力倡导民间艺术的研究与传承,通过民艺馆展览、举办讲演、发行刊物、到各地调查指导等方式,使民族工艺设计的美学精神在国民中产生了广泛的影响。人们今天看到的很多日本设计的精华,其动机都来自于对民族艺术的传承。二战后,日本的设计形成了对内和对外两大范畴。针对国外市场的设计往往采用国际认可的视觉语言和语法方式;而针对国内的设计,则着重继承和发扬传统的图案、传统的布局、传统的线条和色彩,特别是对日本的假名文字与汉字的研究与运用,引起了东方邻国如中国和韩国的广泛兴趣,并获得了高度评价。总的来说日本在现代设计中充分发挥了传统精神,注重传统美学,重视细节,重视自然,讲究简单朴素,讲究美学精神含义,所有这些从民族文化中继承的精髓构成了日本设计中的精神支柱,也越来越多地得到了全世界的认可。

纵观日本的设计发展,其间有许多值得我们学习之处

(1)取舍东西之间,借鉴优秀文化,将“拿来主义”发展到极高水平。日本的文明发展史就是一部学习融汇优秀外国文明的历史,文明发展的初期学习中国文化;明治维新工业革命时期开始学习德国工程技术,学习英国社会管理体系;第二次世界大战之后又学习美国的现代企业管理技术和科学技术。有人说日本是全世界最好的学生,这是因为它不但能够敏锐地意识到先进的、优秀的东西,更能够把别人的经验和自己的本国国情结合起来,达到融会贯通,甚至发展到更高层次。

(2)民族的才是世界的,鼓励民族特色,创新传统设计。日本人珍惜传统,将各种传统的设计都保存得非常好,如日本传统的食品包装、传统服装、传统插画等。日本传统的图案、材料运用和绘画表现方法是日本设计师灵感的源泉,也是他们发展本民族设计风格的基础。在理解、保护传统的基础上和现代设计理念相结合,发展出“日本的”也是“世界的”设计风格

(3)注重可持续性发展,做事认真细致,设计上发扬适度和严谨的精神。日本国土面积狭小,资源有限,因此比较注重节俭,同时也养成了朴实的民族化设计风格。如著名品牌“无印良品”的设计理念:“这样就好。”日本的产品走向世界,走得是小而精的路线,关注细部,关注品质,努力设计好每个细节。

(三)代表人物

1.龟仓雄

龟仓雄策( Yusaku Kamekura,1915-1997)是日本平面设计的奠基人,是二战后最活跃的设计师之一,也被尊为日本现代设计之父。龟仓雄策奠定了日本平面设计民族性与国际性相结合的传统,使更多的后辈设计师们看到了发挥民族传统的生命力以及日本民族化平面设计的曙光。

龟仓雄策的平面设计在日本民族传统视觉元素的继承上又有着形式和内容两个方面的突破。在形式方面,日本传统的图案化元素被赋予了更多的现代感,与现代艺术的光视觉效应、立体表现等相结合,同时保留了日本图案的严谨性,视觉传达效果强烈,对观者心理的冲击力很明显。在内容方面,其设计重视抽象视觉语言的象征性,赋予了多种图案化的简单形式以象征意味,善于在波澜不惊中体现耐人寻味的哲理性对于日本现代平面设计,龟仓雄策的另一大贡献体现是在组织方面。20世纪50年代他组织了“日本广告艺术俱乐部”。20世纪60年代,这个组织扩大为“日本设计中心”,成为日本设计的核心组织,全面推动了日本设计的发展,促进了日本各项设计品质的提高最终使日本设计在国际上得到了广泛的褒扬和认可。

2.永井一正

永井一正( Kazumasa Nagai,1929?)1929年生于日本大阪市,曾经就读于东京艺术大学雕刻系。其平面设计往往以几何框架勾画出一种特定的画面构成情绪,再加以平面图案式的具象性、装饰性图形具体表现,体现出日本设计与国际接轨的风貌。他的主要设计特色表现为对日本传统的“线”的继承上,作品中能够看到对日本的线条和简单几何构形的偏好。而这种基础又与西方的构成主义不谋而合,交相融汇,于是在简单中寻求节奏与和谐,形成了一种既能够表现传统风貌又具有现代构成特征的理性风格。

永井一正从事设计之初正是国际设计界国际主义几何形式大行其道的年代,他的设计也是从抽象的几何图形开始的。在构成主义的点、线、面中,永井一正更加偏重于东方化的线形。他成熟阶段的作品在构成中加入了摄影元素,如海洋、旷野、沙漠等景象,意图表现更广阔的宇宙空间。20世纪八九十年代,永井一正的作品经历了突破性的跨越并转向具象的造型,作品多以动物形象为主,造型图案化、东方化色彩明显,突出自然为本,人与万物和谐共存的理念。值得一提的是,在计算机设计大行其道的时代,永井一正能够坚持手绘各种复杂而精密的线形,他认为计算机能够绘制出完美的线形,但计算机的线是冰冷的、没有情感和生命的;手绘的线无论多么工整,都会体现出一些差异,而正是这种差异,能够让观者体会到设计者的生命力和人的情感。

3.田中一光

田中一光1950年毕业于日本京都市立美术学院。此时的他就已经对包豪斯的构成主义非常感兴趣。与永井一正不同的是,田中一光更加强调设计的面和空间。他以网格形式作为平面设计的基础,作品具有高度的秩序感和工整性;他采用鲜艳而单纯的色彩构成形象整体感却较为雅致,绝不艳俗,体现着举重若轻的从容;他的设计语言简法洗练、意境清新,以独到的思路与手法将东方的特别是日本的文化特征融于西方的视觉语言当中,使得他的作品既有强烈的民族性又有典型的国际风格。

田中一光的设计动机主要来自日本传统文化,传统的风景、戏剧场面、人物、浮世绘等在其设计中比比皆是。他还对文字和符号非常感兴趣,试图通过现代的方式将他们在平面设计中重新加以诠释和表现。

田中一光的代表作品《日本舞乐表演海报》的画面以方块等分,以几何等分的形式表现出了日本女子的面部、发式与服饰。眼睛是倾斜的半圆,这一斜就产生了表情;嘴巴是大小两个错落的网形,错落出了娇美和动感。机械的、理性的几何方块在这里变成了东方妩媚的女子,产生了活泼的生命力。

4.福田繁雄

漫画家出身的福田繁雄,作品中总有耐人寻味的幽默气息。有人说他的设计作品中缺少日本的元素,更多的是西方的、国际化的理念,这也使他成为最为其他国家熟知的平面设计师,其作品被欧美设计家誉为“经济、简洁又复杂多变”。福田繁雄是一个具备极度理性头脑并且乐于实验的人,他创作了世界上最经典的矛盾图形,引导观众产生设定的联想在看似荒谬、诡异的视觉形象中透射出一种理性的秩序感和连续性。他能够将奇思妙想以简法的方式传达出来,为普通人所接受,受到了全世界观众的欢迎